Innsbruck, Festival de Musique Ancienne 2024

          Une fois n’est pas coutume, le festival de musique ancienne d’Innsbruck offre la possibilité d’assister à un récital d’une voix de basse. Et pas n’importe laquelle : celle, spectaculaire, de Luigi De Donato, dans un programme taillé sur démesure, regroupant des airs du fameux cyclope Polyphème, écrit par divers compositeurs. 

          D'emblée, la voix prodigieuse de Luigi De Donato frappe fort en ouvrant le récital avec une cantate de Pietro Antonio Cesti ‘Amante gigante’ qui montre toute la férocité de ce monstre sanguinaire. Des passages qui vont, soudainement, contraster avec une partie inattendue qui va révéler la part d’humanité d’un être déchiré par l’amour impossible qu’il nourrit pour une Galatée réfractaire et amoureuse de son Acis. Le mordant, la profondeur, la théâtralité d’une voix hors du commun, n’a alors d’égal que le crémeux et la finesse d’une voix sensible et meurtrie de douleur.

          Nous retiendrons également l’air, absolument saisissant, de Domenico Alberti ‘Sanno l’onde e san l’arene’, avec ses surprenants coups d’archets qui mettent en exergue l'état d'un Poliphème totalement rongé par le tourment. 

          Dans une seconde partie, entièrement consacrée au compositeur Georg Friedrich Haendel, le pubic peut savourer les airs de deux œuvres : la cantate Aci, Galatea e Polifemo et la pastorale ou masque Acis and Galatea mais pas dans sa version la plus connue de 1718, en anglais. En effet, Il Caro Sassone remania l’œuvre lors d'une reprise en 1732 avec des ajouts en italien. Notre cyclope a alors le cœur qui palpite (cantate ‘Mi palpita il cor’ étonnamment remaniée pour l’occasion), le nôtre également. Comment résister à l'arrogance dévastatrice de ces airs virtuoses quand ils sont interprétés avec une telle force expressive et une voix qui vous embrase par la noirceur d'un timbre au charbon incandescent ?
Des airs taillés sur démesure, comme celui, redoutable, 'Fra l'ombre e gl'orrori' où les notes extrêmes flirtent avec le surnaturel. Les notes aiguës sont éclatantes de santé quand les graves sonnent caverneux comme on rêverait de les entendre. 

          Cette réussite n'aurait pas été totale sans l'implication, forte et tonique, de l'ensemble Collegium 1704 et son chef charismatique Vaclav Luks. Des artistes qui aiment la voix et la respectent. 

Les amateurs pourront retrouver, en partie, ce programme sur le cd récemment sorti, intitulé Polifemo. 

                                      Ruggero Meli

      Ce qui d’emblée surprend, c’est cette musique particulièrement enjouée, tonique et brillante de Geminiano Giacomelli, un compositeur encore bien méconnu si ce n’est pour sa célèbre aria ‘Sposa, non mi conosci’ (opéra La Merope) qu’Antonio Vivaldi ajouta à son opéra Bajazet avec des paroles légèrement différentes ‘Sposa son disprezzata’. Chose encore plus surprenante, la partition ne contient aucun lamento, aucune aria triste ou plaintive. Globalement ce Cesare est constitué de lignes mélodiques orchestrales extrêmement séduisantes, la ligne vocale l’est un peu moins. D’ailleurs le public ne s’y trompe pas quand il applaudit sagement chaque aria. Pourtant les airs sont redoutables à chanter. 

          Les connaisseurs du Giulio Cesare de Haendel, retrouvent les mêmes personnages Cesare, Cleopatra, Tolomeo, Achilla et Cornelia à l’exception de Nireno et de Sesto. Ce dernier, n’est encore qu’un tout petit enfant. En revanche nous découvrons un nouveau personnage du nom de Lepido, un soutien transi de la belle Cornelia. Le personnage d’Achilla, baryton-basse chez Haendel, est ici chanté par un contre-ténor. Enfin, le vilain Tolomeo, alto chez Haendel, est ici interprété par un ténor. 

          Le metteur en scène Leo Muscato nous plonge au cœur d’une pyramide en ruine : des pans de murs recouverts de hiéroglyphes forment des espaces, des couloirs, des recoins, des passages inattendus qui prennent des formes diverses et variées au fur et à mesure qu’ils poursuivent leur rotation. En effet, ces éléments de décors, placés sur un plateau en mouvement rotatif de la droite vers la gauche, donnent l’impression que personnages et spectateurs parcourent les dédales d’une pyramide en ruine, ses dangers et ses mauvaises rencontres.  

De plus, ces éléments de décor ne cessent de changer sans que le public ne s’en aperçoive. En effet, les changements s’opèrent discrètement en arrière-plan de la scène sans le moindre bruit. La scène est plongée dans une semi-obscurité dans une atmosphère vaporeuse (fumigènes), le tout sous le regard permanent et menaçant de statues géantes représentant des guerriers romains parés d’armures. Positionnés en demi-cercle, ils sont les gardiens de Cesare : leurs yeux sont éclairés en permanence. 

          Cette atmosphère quelque peu délétère permet de mettre en exergue les enjeux délicats et fragiles qui se jouent ici : amour, pouvoir, guerre. Esthétiquement, c’est somptueux, mais la mise en scène et la direction d’acteurs pêchent grandement. La première partie dure plus de 1h30 avec ce plateau qui ne cesse de tourner sans jamais véritablement se renouveler. Peu d’action sur scène, et sans lecture des surtitres, il n’est pas certain que l’on puisse vraiment comprendre la trame de l’histoire, d’autant que les chanteurs sont souvent désœuvrés et chantent leurs airs plantés sur scène. Peu de changements dans la seconde partie si ce n’est que le plateau a changé de direction. 

          Côté costumes, les traditionnels vêtements militaires, et beaucoup d’armes à feu, côtoient des vêtements de différentes époques sans qu’il n'y ait une cohérence particulière. On retiendra surtout ceux, magnifiques, de la belle Cleopatra. 

Certes, on ne s’ennuie pas et on se régale des décors mais nous restons globalement sur notre faim côté action et direction d’acteurs. L’idée de caractériser les personnages (prise de tabac systématique par Achilla, prise de cachets par Cesare, mouchoir de Tolomeo) ne convainc pas et nous laisse perplexe. Elle n’apporte rien de particulier à la compréhension psychologique des personnages. 

          La distribution réunie pour l’occasion est de très bonne facture et surtout bien équilibrée.

          Achilla, l’homme de main de Tolomeo, aurait pu paraître bien frêle avec une voix de contre-ténor mais ce n’était sans compter sur la voix virile, altière et si expressive de Filippo Mineccia. Un chanteur qui n’a pas froid aux yeux, et qui affronte crânement tous les écueils d’une partition qui ne le ménage pourtant pas. Le contraste de ses aigus cinglants avec des graves caverneux impressionne mais laisse parfois place à des passages à la projection limitée. Le panache de son air héroïque ‘Al vibrar della mia spada’ n’a eu d’égal que la tendresse de son aria di paragone ‘Quell’agnellin che seco‘.

         La soprano Emöke Barath incarne une Cleopatra racée et noble, et s’acquitte de sa partie avec virtuosité et sensibilité. Une émotion particulièrement mise à profit dans un air touchant dans lequel la chanteuse s’adresse à toutes les femmes qui ont été trahies ‘Spose tradite, se m’ascoltate’.

          Beau succès à l’applaudimètre pour le contre-ténor Federico Fiorio dans le rôle de Lepido. Il est vrai qu’il bénéficiait des airs les plus séduisants de la partition, qu’il a su mettre en valeur grâce à la douceur de son timbre et à sa sensibilité. Difficile pourtant de croire à ses airs vengeurs ‘Scorre per l’onde ardito’ et ‘Vendetta mi chiede’ avec cette voix fragile et si innocente.

          Le personnage qui apporte le plus de relief à cette distribution avec sa véritable voix de contralto et sa véhémente défiance, c’est celui de la veuve Cornelia, admirablement interprétée par Margherita Maria Sala. Affligée, tourmentée et vindicative, elle se dresse avec force et noblesse envers et contre tous. En plus de devoir porter le deuil de son époux fraîchement assassiné, elle doit endurer et repousser les avances du tyrannique Tolomeo et du transi Lepido tout en se servant du dernier pour mener à bien sa vengeance. Le timbre chaud et consistant de la contralto associé à un caractère bien trempé fait trembler les récitatifs et vibrer intensément les arias. Le public aura été notamment frappé par la fulgurance de l’air ‘Oppressa, tradita’ avec ses arrêts et ses attaques subites qui en font un air de folie. 

          La voix du ténor Valerio Contaldo avait un peu de mal à passer la fosse en ce jour de première. Mais il est vrai que ses airs relevaient étonnamment plus de l’amoureux éconduit que du tyran. D’ailleurs, il s’est particulièrement montré touchant dans l’air ‘Se il sangue mio tu brami‘. Mais c’est dans la seconde partie qu’il s’est distingué le plus en interprétant des airs virtuoses et belliqueux tel le fascinant ‘Scende rapido spumante'.

           Admirable Arianna Venditelli dans le rôle titre. Son Cesare possède une sacrée prestance et un panache vocal qui impressionne notamment dans l’air héroïque ‘Col vincitor mi brando’, criblé de vocalises infernales.  Mais c’est dans son air langoureux ‘Bella, tel dica amore’ qu’elle va se révéler la plus touchante. Une déclaration d’amour à Cleopatra d’une tendresse infinie. Nous tenons là certainement le plus bel air de la partition. Ajoutons cependant un petit bémol à ce rôle masculin: le timbre d’Arianna Venditelli tire davantage vers le soprano que le mezzo-soprano, conséquence son personnage manque de virilité vocale. Sa prestation dans le rôle titre de Serse à Beaune en juillet 2019 nous avait fait la même impression. 

           Finalement, les véritables héros de cette soirée auront été les membres de l’Accademia Bizantina qui ont fait de cette musique un véritable feu d’artifice, sous la fascinante direction du chef Ottavio Dantone. Avec lui, pas besoin de grands gestes pour diriger du clavecin, un simple index lui suffit pour être d’une précision métronomique. 

          Alors que l’opéra affiche une durée de plus de trois heures, il est surprenant qu’il finisse sur un chœur final d’à peine trente secondes. 

                                       Ruggero Meli

          Tous les ans, le festival de musique ancienne d’Innsbruck monte une production permettant de mettre en valeur de jeunes talents (en l'occurrence les finalistes du concours Cesti). Avec peu de moyens, les metteurs en scène ont la difficile gageure de réaliser des miracles. Certains y parviennent avec succès, ce fut le cas de la production de L’Amazzone corsara de Pallavicino il y a deux ans (voir notre article). L’an passé, La Fida Ninfa de Vivaldi était déjà moins inspirée mais le résultat restait honnête (voir notre article). Cette année, on frise la catastrophe : les décors minimalistes, particulièrement disgracieux, rivalisent de tristesse avec les costumes contemporains (les sempiternels vêtements militaires). Il n’y a guère que la tête du Minotaure qui aura été réussie mais l'attitude nonchalante du monstre ne représentera en rien une menace. Le metteur en scène Stephen Taylor n’a pas eu la meilleure des idées de transposer le conte mythologique de Thésée et le Minotaure dans un centre douanier ou camp de captifs en attente d’être sacrifiés au Minotaure. Ce même décor se transformera en centre pénitentiaire puis en labyrinthe dans la seconde partie du spectacle qui heureusement offrira du mieux : davantage d’action et enfin quelques ébauches d’idées intéressantes comme le travail sur l'enfermement. Insuffisant pour sauver un spectacle aux décors minimalistes et à l'apparence si cheap.

          Le passionné et spécialiste de la musique de Jean Sébastien Bach, Masaaki Suzuki, a créé l’événement lors de sa venue au festival de musique ancienne d’Innsbruck en proposant un programme de cantates chorales sacrées particulièrement savoureux, mis en valeur par son ensemble instrumental et choral Le Bach Collegium Japan. Pour cette occasion, il a fait appel à quatre solistes de renom, rompus au chant bachien : la fameuse soprano britannique Carolyn Sampson, le ténor allemand Benjamin Bruns, le contre-ténor anglais Alexander Chance et enfin le baryton-basse allemand Christian Immler. Quatre solistes qui ont tenu toutes leurs promesses en nous offrant une interprétation vibrante de quatre cantates du Cantor de Leipzig en mettant particulièrement en exergue les textes de ces œuvres. Des textes qui à la lecture de passages tels que ‘Was frag’ich nach der Welt…O Ewigkeit, du Donnerwort’  semblent parfaitement coller à la thématique existentielle et intemporelle de la 48e édition du festival, en l’occurrence : ‘D’où venons-nous, où allons-nous ?’. Une invitation à la réflexion sur la foi, la vie (éternelle) et la mort, la beauté et la profondeur spirituelle. 

La cantate BWV 20 “O Ewigkeit, du Donnerwort”(Ô éternité, toi, parole foudroyante), divisée en deux parties supposées être chantées avant et après le sermon, décrit la peur de la damnation éternelle (le jugement dernier) et le besoin d’accéder à la redemption. 

La cantate BWV 94 “Was frag ich nach der Welt”(Que puis-je attendre du monde ?) oppose les plaisirs fugaces terrestres à la joie éternelle de la foi.

La cantate BWV 93 “Wer nur den lieben Goe läßt walten” (Celui qui laisse Dieu régner sur sa vie) relève de la confiance inébranlable en Dieu face aux épreuves de la vie.

Enfin la cantate BWV 78 “Jesu, der du meine Seele” (Jésus, toi qui par ta mort amère) met en exergue les péchés des humains rachetés par la grâce divine. 

          Ce qui surprend d’emblée dans ce concert, c’est la capacité des forces chorales du Bach Collegium Japan à faire briller pleinement cette musique. Alors que le chœur est à peine constitué de trois voix par pupitre, il sonne comme s’il était doté du triple de participants. Il faut dire que les solistes ont fort à faire puisqu’ils font partie intégrante de toutes les interventions chorales. Mention spéciale attribuée au pupitre des altos, qui avec ses deux contre-ténors, confère une couleur particulièrement fruitée à l’ensemble. 

          Même si parfois le ténor Benjamin Bruns détimbre légèrement, et même s’il possède un timbre un brin nasillard, nous restons admiratif face à la diction claire et impeccable de ses interventions, son implication tonique dans des pages à l’écriture peu aisée, qui ne laissent que très peu de place à la reprise du souffle. Il sait faire virevolter les vocalises comme le ferait un instrument. 

          Le contre-ténor Alexander Chance, quant à lui, fascine par la clarté et la limpidité de son timbre, la maîtrise de la langue allemande et sa façon de déjouer les difficultés de la partition. Dommage que ses notes aiguës frisent la stridence parfois. Nous avons particulièrement apprécié son duo avec le ténor ‘O Menschenkind’, dont la basse continue, au rythme si lancinant, nous a fait quasiment danser sur notre chaise.  

          Enfin, le baryton-basse Christian Immler s’est particulièrement distingué par son expressivité dans les récitatifs et les airs. Il sait faire claquer les consonnes et étirer les mots comme personne et ainsi faire vibrer la musique. Le texte prend toute sa dimension par son timbre charnu et solide. Le public aura pu particulièrement apprécier le délié de ses vocalises. Brillant ‘Wacht auf’ martelé et appuyé par une trompette, certes éclatante, mais pas toujours juste. 

          Le ravissement est également venu des interventions des instruments solistes telle la flûte, délicate et envoûtante, de Yoko Tsuruta ou bien celles, passionnantes, des trois hautboïstes dont un solo, particulièrement savoureux, dans l’air ‘Es halt’ es mit der blinden Welt’ de la soprano Carolyn Sampson. Une voix unique, au timbre si reconnaissable, qui aborde cet air avec une fraîcheur presque timide ou du moins humble face aux péchés et à la rédemption. L'émotion, sincère, n'en est que plus forte. Mais le highlight de la soirée aura certainement été son duo ‘Wir eilen mit schwachen’ avec le contre-ténor, absolument irrésistible, notamment grâce à l’entrelacement de ses vocalises soutenues par une basse continue au rythme si entraînant. 

          Bref, un régal de concert dont la ferveur des chorals convertiraient les plus sceptiques à la foi. En tous cas, une invitation musicale à la beauté spirituelle. 

A noter que ce concert sera diffusé le lundi 2 septembre 2024 à 14h par les soins de la radio autrichienne Ö1. 

                                             Ruggero Meli

          Dès les premières notes, la tempête fait rage et nous fait tressaillir. Le rideau s'ouvre sur un décor aux dorures chatoyantes. Un ange entièrement paré d'or descend des cieux à l’aide d’un filin. Bref, un vrai coup de foudre visuel et sonore s’empare du spectateur. Esthétiquement, ce dernier en prend plein les yeux : du bon goût, de l’élégance, des ors à profusion, c'est ce que propose la metteuse en scène Deda Cristina Colonna. Au fil du spectacle, des couleurs vives particulièrement éclatantes (vert, rouge, bleu) viendront renforcer les sentiments ou les atmosphères désirées. Le décor est essentiellement constitué d’immenses panneaux, coulissant de droite à gauche ou inversement, et ce, sur plusieurs strates. D’une forte inspiration baroque, ces panneaux font référence à ce qui se faisait au XVIIIe siècle : les fameux châssis alignés latéralement sur la scène, créant une perspective et des intervalles par lesquels les chanteurs entraient et sortaient. De même, on retrouve d'autres éléments récurrents de la mise en scène baroque tel le bassin ou la mer en fond de scène. Mais un autre élément va venir s'ajouter à celui baroque, celui de la culture japonaise : des panneaux coulissants cachent ou montrent avec une certaine pudeur et une certaine élégance (certains panneaux sont transparents) les personnages, le vêtement type kimono de Dido, la couleur or de la royauté du Japon antique. Le reste des costumes est clairement d’inspiration romaine avec notamment ses fameuses couronnes de feuilles de lauriers. Des feuilles d’or que l’on va retrouver sur un arbre absolument superbe, à la double ramification et tout à fait symétrique avec en arrière plan un mur d'une couleur verte intense. L’effet est tout aussi saisissant lorsque cette même scène s’assombrit soudain.