Innsbruck Ancient Music Festival 2022

          Comme à son habitude, le Festival de Musique Ancienne d'Innsbruck nous a déniché une petite perle avec cet opéra Silla de Graun. Un spectacle hautement baroque avec des costumes et des décors somptueux signés Julia Dietrich. Ainsi on a pu admirer la cotte de maille argentée de Metello, l'élégant costume de velours rouge de Silla accompagné de sa majestueuse cape, la séduisante tenue de Page de Postumio, le palais avec ses intérieurs cossus, l'impressionnant escalier à double révolution, l'immense toile imprimée du palais avec ses colonnes et son dôme qui donne une profondeur incroyable à la scène grâce à sa perspective typiquement baroque. D'ailleurs la toile avait tendance à onduler et donnait l'impression spectaculaire que toute la structure du palais avançait vers le public. Sur scène, les usuels thèmes des livrets "indigents" du XVIII° siècle : pouvoir politique entremêlé de conflits amoureux. Silla convoite Ottavia mais cette dernière est déjà engagée auprès de Postumio... On peut comprendre alors que peu d'actions ont lieu sur scène, ce qui laissera certainement perplexe une partie du public, incapable de comprendre clairement les tenants et les aboutissants du drame. Heureusement la distribution réunie pour l'occasion permet de se concentrer sur les qualités musicales, plutôt intéressantes dans la première partie, pour s'intensifier dans la seconde en révélant de petits bijoux d'airs et ensembles. On asiste notamment à un exquis duo aux rythmes contrastés entre Ottavia et Postumio ou encore un insolite trio de contre-ténors, etc. Signalons aussi des récitatifs accompagnés d'un grande force dramatique, notamment celui d'un Silla rongé par le tourment ou d'un Metello ulcéré. 

          Bejun Mehta est royal dans le rôle de l'empereur, sa forte présence scénique et la solidité d'une voix rompue aux techniques baroques les plus complexes en imposent. Avec son arrivée, après 30mn de spectacle environ, l'opéra prend subitement une dimension dramatique forte et suscite un intérêt plus aiguisé. Son air "Vago adorato ogetto" qui clôt le premier acte, d'une ineffable douceur a mis la salle à genoux. 

Les autres contre-ténors ne déméritent pas pour autant face à lui. Même si tous appartiennent à la même tessiture, chacun possède une voix absolument distincte et typée. Valer Sabadus dans le rôle de Metello sait sortir de la réserve quand il le faut en parvenant à désinhiber son jeu d'acteur comme sa voix quand, courroucé, il tend sa poitrine pointée d'une épée au tyran Silla pour qu'il l'achève. Hagen Matzeit n'est pas en reste et déploie des capacités vocales surprenantes avec sa voix longue et solide de contralto qui manque parfois d'homogénéité. Le rôle du jeune page amoureux et fragile Postumio sied à la perfection au quatrième contre-ténor de cette distribution assez insolite. En effet, Samuel Marino, dans le rôle de Postumio, avec sa voix parfois fluette, délicate et faussement fragile, fait des merveilles dans tous ses airs notamment le tout premier "Caro bell'idol mio" avec des trilles à se pâmer, et d'exquises roucoulades baroques. Son divin duo avec Ottavia qui débute le deuxième acte ainsi que son époustouflant air virtuose et révolté "No, di Libia fra le arene" auront fait partie, sans nul doute, des highlights de la soirée. 

Du côté de ces dames : deux sopranos. La première, la soprano Eleonora Bellocci, à la voix radieuse, juvénile, fragile et forte à la fois, s'est révélée parfaite dans le rôle d'Ottavia, cette jeune fille innocente et tant convoitée, délicate mais déterminée à ne pas céder. Ses deux duos, extrêmement contrastés : l'un avec Silla, (Ottavia rejetant avec véhémence les tendres suppliques de l'empereur, l'autre enflammé avec Postumio) ont été remarquables. On notera également sa facilité à faire virevolter ses vocalises dans l'air "Sol nel caro amabil volto". Enfin, son air "Parmi...ah no!... purtroppo oh Dio", dans lequel elle croit voir son bellâtre exsangue, est accompagné d'un saisissant décor rouge sang. La seconde, Roberta Invernizzi, dont la voix plus mature et ses rugosités donnent de la personnalité à la mère d'Ottavia, Fulvia. Une matrone plus encline à monter socialement qu'à se soucier du bonheur de sa fille qu'elle pousse, malgré elle, vers l'empereur Silla, au travers notamment de l'aria d'imitazione "Se l'augellin si vede". Enfin, le ténor Mert Süngü, dans le rôle du conseiller du tyran Silla, fait preuve d'une  brutalité vocale qui sied finalement bien au rôle. 

          Une fois de plus, Alessandro De Marchi a été remarquable à la tête de l'enthousiaste et impliqué Innsbrucker Festwochenorchester. Quel bonheur de les regarder jouer ensemble. Cette partition méritait de sortir de l'ombre : elle nous a réservé d'heureuses surprises tout du long. Elle fera l'objet, nous dit-on, d'une parution cd. 

          Signalons, pour tous les amateurs qui voudraient explorer la musique de Graun, le récent récital de la soprano Julia Lezhneva consacré à ce compositeur et dont le seul air "Mi paventi il figlio indegno" (tiré de l'opéra Britannico) en dit long sur ses capacités et qualités musicales. Un air à classer dans le top 10 des meilleurs airs baroques. Mais surtout l'immense opéra Cesare e Cleopatra, que René Jacobs a dirigé et enregistré en 1996. Un must d'opéra baroque à connaître absolument.

          Orfeo 2.0, une drôle d'idée qui a traversé l'esprit de deux chefs et deux ensembles. En fusionnant leur musique et leur talent, ils font souffler un vent de modernité à une œuvre qui en était déjà empreinte à vrai dire, mais en lui donnant une dimension spectaculaire. Respectivement le chef Werner Ehrhardt à la tête du fameux ensemble baroque l'Arte del Mondo (que BAROQUENEWS connaît et apprécie pour les avoir souvent entendus à Leverkusen notamment, ville où ils sont basés (oeuvres de Handel ou Salieri) et le chef Massimiliano Toni à la tête de son ensemble La Terza Pratica. Ce dernier, spécialiste de musique ancienne, nous conviait donc à la rencontre de la musique BAROQUE et du ROCK pour certainement tenter de faire d'Orfeo une œuvre universelle, capable de traverser les âges et de nous emmener vers un futur inconnu, peut être la musique de demain, à l'image de ce Zarathoustra de Strauss qui illuminait d'un éclat aveuglant le mythique film futuriste de Kubrik 2001, Odyssée de l'espace et qui clôturera ce spectacle d'Orfeo 2.0.

La scène divisée en 3 espaces accueillait l'ensemble baroque sur la partie gauche, alors que la partie droite accueillait le rockband. Massimiliano Toni dirigeait debout les deux ensembles du clavecin ou du clavier. La partie centrale était réservée aux solistes vocaux dans une version semi-scénique de l'œuvre. Tous, instruments et voix, étaient sonorisés. un son surdimensionné peu usuel dans un théâtre classique. 

Cette expérience folle a donné lieu à une première partie quelque peu tonitruante. Un brouhaha assourdissant qui couvrait parfois les voix, créant des déséquilibres sonores. On aura pu relever également certains décalages et synchronisations malaisées suite à des changements brusques de rythmes. La musique de Monteverdi décousue, n'a pas le temps de s'exprimer, interrompue régulièrement par des assauts jazzy ou rock n'roll. Une première partie qui nous laisse perplexe et peu convaincu. Pourtant, bien nous a pris de rester pour la seconde partie qui va se révéler un bijou d'ingéniosité et de réussite musicale jusqu'à magnifier la musique de Monteverdi. Enfin, cette musique peut respirer et s'épanouir. Il faut dire que l'arrivée de Caron y est aussi pour beaucoup. En effet, le personnage, diabolique, à la voix caverneuse a irradié la scène de sa noirceur. Federico Sacchi, colosse menaçant à la présence charismatique, fait monter subitement la qualité et l'intérêt du spectacle d'un cran. Sa présence matche parfaitement avec cette musique psychédélique, tandis que la sonorisation prenait toute sa place et sa justification en décuplant l'effet d'une voix venue des ténèbres. Son jeu de scène avec la très aguicheuse Proserpina, la soprano Francesca Lombardi Mazzulli, a fait mouche dans un duo sensuel voire même sexuel des plus torrides. 

Mais la part belle est revenue à l'excellent Enea Sorini en Orfeo qui, de sa voix et de sa lyre, a eu raison même de Caron / Pluton. Une voix au timbre enjôleur de ténor baroque qui frisait même avec le haute-contre parfois. Tout à fait à l'aise dans son jeu de castagnettes, l'interprète a su séduire le public. Une prestation admirable, dans un italien limpide et une expressivité à fleur de peau. Les autres solistes n'ont pas démérités en contribuant avec talent à la réussite d'un spectacle qui était loin d'être gagné au départ mais qui a finit par enthousiasmer. 

         Œuvre monumentale devant l'éternité, le Messie de Georg Friedrich Haendel, n'a pas fini de livrer ses secrets. Voilà que le festival d'Innsbruck en coopération avec le festival Haendel de Halle nous a déniché une partition posthume (ca. 1768-1770) de l'oratorio avec la particularité d'être en langue italienne et d'avoir une durée réduite de moitié par rapport à la version "traditionnelle" ( 1h16 de musique environ). D'aucuns diront qu'il ne reste plus grand chose de l'oratorio de Haendel quand d'autres parleront d'une version plus concentrée, allant à l'essentiel. C'est finalement un peu des deux car l'œuvre semble plus équilibrée avec ses deux parties d'une durée équivalente (deux fois 38mn) et niché en son centre, le célèbre Alléluia qui culmine et clôt la première partie. Mais elle laisse aussi son lot de frustrations car nombre d'airs manquent à l'appel tel que le fameux 'Rejoice greatly'. Des frustrations d'autant plus grandes lorsque certains récitatifs restent bien esseulés, privés  de leurs airs comme celui (accompagné) déclamé par Luigi De Donato 'Eccomi a decifrarvi alto mistero' (l'équivalent de 'Behold, I tell you a mistery') directement suivi du choeur final alors que l'on s'attendait au fameux air à la trompette 'The trumpet shall sound'. 

          Les toutes premières notes de l’œuvre ont provoqué un certain étonnement voire une incrédulité palpable dans le public. En effet, on ne reconnaît qu'à peine la partition de Haendel dans le premier mouvement de l'ouverture, qui laisse place à des variations déroutantes du premier violon. Le second mouvement va rassurer les plus sceptiques : la musique du Messie est reconnaissable. De plus, alors que l'on s'attendait à l'entrée en matière du ténor, c'est la soprano qui interprète 'Confortati o Sion...Ogni vale' ('Comfort ye...Ev'ry valley'). Elle raflera également le récitatif et arioso 'L'acerba tua censura...Deh dimmi' ('Behold and see') laissant le ténor totalement dépourvu de musique. Il ne chantera guère que dans l'irrésistible quatuor avec chœur 'For unto us a child is born' ('Ecco già nato un pargoletto'): une pièce à la joie communicative qui sera reprise en bis. Même si ce quatuor est une surprise, il ne constitue pas une nouveauté. En effet, il est possible de l'entendre dans la version Mozart du Messie (en allemand).

          Au delà de l'intérêt d'entendre une nouvelle version de cette pièce intemporelle, on pourra se demander ce qu'elle lui apporte: une certaine fraîcheur et légèreté et peut être une plus grande théâtralité par le biais de la langue italienne comme l'air 'He was despised' qui est traduit par 'Tormento atroce, disprezzo e croce dovra soffrir' avec des mots encore plus incisifs. Une version qui tend davantage vers le profane que le sacré.

          Les solistes réunis pour l'occasion frisaient tout bonnement la perfection même avec des interventions limitées. A commencer par l'hyper talentueux Luigi De Donato : une voix de basse miraculeuse, solide et noire comme le jais. Il surprend par le délié et la flexibilité de ses vocalises, la clarté du texte en prime ! Son interprétation possède ce quelque chose de passionant qui fait que l'on se délecte de suivre ses variations de couleurs et les atmosphères qu'il dépeint lorsqu'il raconte notamment avec intensité que la terre se recouvrira d'un voile ténébreux 'Coprira il mondo un tenebroso velo'. On retiendra également son aplomb dans l'air virtuose 'Perche con fremito' ('Why do the nations') accompagné d'un audacieux da capo ainsi que d'une vertigineuse cadence (un air habituellement court, prolongé par une intervention chorale).

          Margherita Maria Sala (gagnante du concours Cesti 2020) aux interventions limitées, a pu tout de même se distinguer grâce à un seul air mais un air immense 'Tormento atroce' ('He was despised') que sa voix chaude et pénétrante de véritable contralto a magnifié (avec une partie centrale éminemment théâtrale). 

          Eleonora Bellocci, certes brillante et percutante mais parfois trop piquante, n'a pas totalement convaincu, notamment dans son entrée en matière qui aurait certainement gagné en émotion avec davantage d'épanchement et de réconfort.

          Toujours est-il que l'intérêt majeur de cette distribution résidait dans le choix de quatre voix extrêmement distinctes et fortement contrastées. 

          La réussite de ce Messie n'aurait pas été possible sans les interventions remarquées du choeur Maghini, somptueux d'uniformité, de souplesse et de générosité sonore ainsi que de l'orchestre et de son chef Alessandro De Marhi, dynamiques et percutants. Ensemble, ils ont su sublimer le chef-d'œuvre de Haendel avec notamment les deux grands chœurs, l'Alleluia et le final 'Degna e la vittima' absolument éclatants. 

          Signalons que les amateurs pourront retrouver cette version en cd puisque le concert était capté live. Et pour ceux qui voudraient explorer les nombreuses versions alternatives du Messie, l'enregistrement de Nicholas McGegan est une mine d'information et offre de nombreux appendices. 

          Enfin il sera possible de réentendre cette version au festival Haendel de Halle l'an prochain avec ces mêmes interprètes. 

photos: 1) Luigi De Donato, 2) Margherita Maria Sala, 3) Eleonora Bellocci, 4) Alessandro De Marchi

          Le public ne s'était pas trompé en 2016 lors de la finale du Concours de chant Cesti en desservant le prix du public à la mezzo-soprano Sophie Rennert (elle était arrivée deuxième au concours). Elle confirme aisément avec ce récital donné dans la merveilleuse (pour ses portraits anciens, ses chandeliers, etc.) Riesensaal du Hofburg d'Innsbruck (une salle peu adaptée aux concerts et où les bonnes places sont limitées. Les deux tiers se trouvent sur les cotés de la scène), combien elle est talentueuse. Nous avons affaire désormais à une grande parmi les grandes. On reste bluffé par cette voix si longue, caméléon, inclassable, tantôt mezzo voire contralto, tantôt soprano tout en restant totalement uniforme, ce qui lui permet de colorer sa musique et de faire des cadences spectaculaires à volonté. Le crémeux de son timbre accompagné de divines trilles ainsi que cette capacité à faire planer le son de ses suraigus nous a littéralement achevé ! Des techniques mises au service de la musique de Sammartini dans la première partie puis de Haendel dans la seconde. 

          Sa prestation a débuté avec une cantate d'un compositeur absolument méconnu Giuseppe Sammartini et dont le premier air, très agité par les vents et marées, a permis à l'artiste lyrique de faire preuve de virtuosité et de colorer une partition qui passait de la noirceur des fonds marins jusqu'à l'éclat des éclairs. Un clair-obscur vocal absolument saisissant. Mais alors qu'elle chantait les mots "il sol non luce" (le soleil ne brille pas), toutes les lumières de la Riesensaal se sont éteintes comme si elles avaient obéit à la chanteuse laissant tout le monde dans une obscurité inquiétante. Après un récitatif fort expressif, s'en est suivi un second air, plus apaisé et délicat, donné avec une sensibilité infinie. Sophie Rennert sait admirablement procurer cette atmosphère de bien-être grâce à son phrasé enjôleur en faisant couler tout le crémeux d'une voix qui culmine brillamment dans des pianissimi suraigus à se pâmer. 

          Alors que la première partie faisait davantage ressortir la tessiture de mezzo-soprano de l'artiste, le programme affichait deux airs de Handel pour soprano dans la seconde dont un très haut celui de Gismondo de Arminio (rôle masculin pour sopraniste). Un challenge peu aisé sur le papier mais finalement relevé facilement et avec brio par l'interprète. Comment résister au touchant et hyper sensible air d'Alceste 'Son qual stanco pellegrino' (tiré d'Arianna in Creta) accompagné du violoncelle envoutant de Giuseppe Mulè ? Sophie Rennert en fait presque une prière qui nous pousse  à fermer les yeux tout en retenant son souffle. Quant à l'ai brillant et bondissant de Gismondo, qui flirte avec la partie solo du hautbois virtuose de Giuseppe Falciglia, la chanteuse fait preuve d'une virtuosité vertigineuse avec une facilité et un aplomb déconcertants. Son da capo fourmille d'audacieux ajouts, ses vocalises sont faciles et impétueuses quand ses cadences vont de la terre au ciel. Un tour de force à saluer bien bas. 

          Un programme vocal un peu court rehaussé de deux bis dont l'irrésistible da capo de l'air de Gismondo d'Arminio de Haendel ainsi que d'une surprise de Leonardo Vinci intitulé "Mancheran le stelle al ciel", un air d'une ineffable douceur. Elle était accompagnée pour l'occasion par l'ensemble Le Musiche Nove, dont on saluera les interventions remarquées et remarquables du premier violon Alessandro Ciccolini. Un ensemble qui manquait parfois d'un supplément de délicatesse. 

Un concert à retrouver à la radio autrichienne Oe1 le 14 septembre à 19h30. 

          On ne connaît que peu de choses à propos du compositeur Carlo Pallavicino (1630 - 1688). Il a vécu et composé essentiellement à Venise et à Dresde et parmi sa vingtaine d’opéras, deux opéras portent quasi le même titre. Coïncidence des calendriers, tout récemment Christophe Rousset a donné en concert son opéra Le Amazoni nell’isole fortunate (1679) à Beaune (qui sera repris à Potsdam), tandis qu’ici à Innsbruck l’on donnait L’Amazone corsara ovvero L’Alvida regina de’ Goti (1686). Les amazones, ces supposées femmes guerrières et dangereuses, un thème qui fascinait les romanciers du XVIem siècle (alors que la découverte géographique du monde s’intensifiait) et qui était repris dans les livrets du XVIIem siècle. Ce thème est d’autant plus fort ici que le personnage qui se refuse avec véhémence au roi n’est autre qu’une amazone doublée d’une corsaire qui revêt une tenue aux couleurs suédoises et norvégiennes. Tout n’est que faux semblants dans cet opéra. En effet pour arriver à leurs fins, tous feignent, jouent la comédie, et veulent connaître les vraies intentions des autres personnages (nombreuses sont les situations d’écoutes furtives), le but étant de ne pas souffrir car aimer fait souffrir, c’est ce que répètent les trois couples qui tentent de se former. Pour se faire le metteur en scène a favorisé une gestuelle baroque intense, proche des signes des malentendants. Des gestes suggestifs et très  expressifs qui permettent de clarifier ou d’appuyer tous les sentiments et propos des personnages. Des codes baroques que le spectateur assimile rapidement finalement car ils sont redondants. Lorsque la beauté est évoquée, le personnage fait tourner son doigt autour du visage, quand il dit qu’il est déterminé il déplace d’un coup d’un seul ses mains du haut vers le bas de façon parallèle, ou bien il lève les poings au ciel quand il parle de “quel crudel” etc. On reste effaré par la quantité de gestes que les solistes ont dû mémoriser alors que leur jeu paraissait naturel et crédible. Ils ont certainement bénéficié de nombreuses répétitions et d’un metteur en scène déterminé dans son projet, Alberto Allegrezza en l’occurrence, qui a pris soin de les diriger au cordeau. Pour accompagner ce travail minutieux autour de la gestuelle au service d’une constante clarification du propos, le spectateur a pu bénéficier de décors, certes peu nombreux mais astucieux par le biais de 3 colonnes amovibles qui tantôt formaient une bibliothèque, tantôt des jardins ou des portes d’intérieur ou bien des donjons avec fenêtres etc., ainsi que de splendides costumes aux couleurs flamboyantes et de style moyenâgeux. De plus, les personnages possédaient cette touche de comedia dell’arte avec leurs joues à pommettes rouges.  Bref une mise en scène réussie qui aidait la compréhension d’un livret alambiqué tout en favorisant le divertissement, la légèreté et l’humour.  

          Il ne manquait donc plus qu’une bonne distribution pour compléter ce tableau gagnant. C’était le cas hier soir pour la première de cet opéra dans la petite salle de la Haus der Musik en ce 18 août 2022.  Difficile de singulariser l’un ou l’autre de ces jeunes et talentueux chanteurs car on a bien senti qu’il s’agissait avant tout d’un travail d’équipe et que toute individualité était exclue. Tous étaient d’excellents interprètes et chacun a pu briller à tour de rôle grâce à la musique colorée et vivifiante de Pallavicino.   

          Shira Patchornik fabuleuse d’expressivité et absolument crédible dans son rôle masculin de mousquetaire, Olmiro, nous a régalé avec sa voix radieuse et brillante. Son jeu déborde d’énergie et sa voix pétille. Quelle artiste ! Elle. beneficiait certainement des plus belles pages de cet opéra.  Rappelons qu'elle avait gagné le concours Cesti l'an dernier et avait obtenu le prix du public. 

          Hannah De Priest dans le rôle de Gilde, en poupée manipulatrice et aux boucles anglaises irrésistibles, fait preuve d’un aplomb vocal étonnant et détonnant. Elle avait atteint la deuxième place au concours Cesti en 2021.  

          Même chose concernant le rôle de La Fama et Irena interprétée par Marie Théoleyre qui n’avait pas autant à chanter que les deux autres sopranos mais qui s’est distinguée par quelques  belles interventions vocales notamment au tout début de l’opéra dans le tout premier air, dans lequel son imitation de la trompette a fait sensation “A nuova vittoria riserbo la tromba” (peut-être l’air le plus brillant de la partition).  

          Helena Schuback, Alvilda, avec un timbre un peu rêche, qui convient finalement assez bien au rôle de l’amazone corsaire intransigeante et revêche a su s’imposer avec un aplomb vocal surprenant.  

          Côté messieurs, la maturité vocale du ténor et du baryton-basse, respectivement Julian Rohde dans le rôle du roi Alfo et Rocco Lia dans celui de Ernando nous a agréablement surpris. Tous deux bénéficient de timbres séduisants et possèdent des moyens vocaux déjà impressionnants pour de si jeunes artistes lyriques.  

          Enfin le contre-ténor Rémy Brès-Feuillet au jeu très affecté en adéquation avec le personnage, a fait preuve d’une belle prestation avec un timbre intéressant. Une voix certainement encore en devenir, et donc à suivre. Il avait obtenu le prix des jeunes artistes au concours Cesti l'an dernier. 

          Entre marivaudage et comedia dell’arte, cette Amazone corsara est une aventure légère qui fait du bien avec sa distribution et sa mie en scène fraîches et vivifiantes, on s’y amuse follement.  

          C’est la seconde fois que BAROQUENEWS assiste au concours de chant baroque Cesti d’Innsbruck et contrairement à la fois dernière (2019),  nous pouvons affirmer que le cru 2022 est tout bonnement excellent. Le match était vraiment serré entre les finalistes sauf pour le premier prix qui était au-dessus du lot. A seulement 24 ans  (notre humble expérience des concours nous montre que ce sont souvent les plus jeunes qui remportent les concours de chant), le ténor britannique Laurence Kilsby décroche la première place. Dès son premier air, sa voix nous a totalement conquis et il nous a semblé une évidence qu’il serait le grand gagnant. Avec un air virtuose dans la première partie et un air poignant dans la seconde, il a conquis le cœur du jury et le nôtre, en instillant une chose essentielle, et que l’on n’a malheureusement pas vraiment ressenti chez les autres candidats: l’émotion. Son chant tantôt percutant et virtuose, tantôt délicat et sensible nous a touché en plein cœur. Il ne restait plus qu'à désigner la deuxième et troisième place, tâche bien ardue car tous avaient une chance d’accéder au palmarès. Alors que le contre-ténor italien Nicolò Balducci fait une prestation mitigée voire peu convaincante en première partie, il s'est révélé époustouflant dans la seconde avec l’air de Sesto (Giulio Cesare) de Haendel “Svegliatevi nel core”. A seulement 23 ans, il décroche la troisième place ainsi que le prix des jeunes talents. Bien mérités ! La surprise est venue de la soprano suisse Chelsea Marilyn Zurflüh qui a raflé pas moins de quatre prix dont la seconde place ainsi que le prix du public, alors même que sa performance n’avait pas été impeccable et qu'elle avait plutôt donné l’impression de posséder une voix certes intéressante (une soprano avec des couleurs de mezzo-soprano) mais encore en devenir. Le jury a certainement valorisé ce potentiel et il a surtout eu l’avantage, non négligeable, de pouvoir suivi les éliminatoires et surtout les demi-finales, des éléments d’évaluation absolument nécessaires pour donner une idée plus consistante des artistes. Déception par contre pour la voix uniforme, franche et ronde de la soprano italienne Carlotta Colombo qui repart les mains vides ainsi que sa compatriote Martina Licari, qui n’avait pas forcément un médium très intéressant mais était en possession de notes aiguës absolument sensationnelles qui la prédestinent davantage au répertoire belcantiste. Quant à la francaise Maud Bessard-Morandas, elle nous a fait une seconde partie de concours absolument bluffante avec notamment un irrésistible jeu de comédienne en complicité étroite avec l'orchestre et un brillant jeu vocal. Malheureusement son premier air, très court ne lui a pas laissé l’occasion de montrer ses moyens. Erreur de stratégie (on ne gagne pas un concours avec un tel air) ? Un prestigieux jury dont la merveilleuse Vivica Genaux a eu la lourde tâche de sélectionner ces 10 finalistes à la suite de plus de 170 candidatures issues de 37 pays différents. Une fois de plus le concours Cesti a révélé d’incroyables talents et nous avons hâte de les retrouver l'an prochain dans une nouvelle production de La Fida Ninfa d'Antonio Vivaldi. 

Voyez plutôt le prestigieux palmarès depuis sa création.