Handel ALCINA 14.VII.2022 Glyndebourne

          C’est une effusion de brillance, de splendeur, de costumes (les robes paon) et coiffes extravagants, d´effets spectaculaires (une sirène arrivant par les airs), de décors somptueux (la scène amovible en forme de coquillage), de chorégraphies à la fois originales et divertissantes (danse du bateau) qui attendent le spectateur de Glyndebourne venu assister à cette nouvelle production de l’opéra : Alcina de Haendel. Un spectacle reporté suite à la pandémie et qui était initialement distribué avec la soprano Kristina Mkhitaryan dans le rôle titre (heureusement BAROQUENEWS a pu miraculeusement entendre cette dernière à Nancy dans ce rôle même d’Alcina il y a deux ans, voir notre compte-rendu, mais aussi ici même à Glyndebourne dans une prestation imperissable du rôle d’Armida de l’opéra Rinaldo : un must de mise en scène, voir notre compte-rendu).

          Ce spectacle, imaginé par le metteur en scène Francesco Micheli, faussement brillant, va se jouer en fait essentiellement en coulisses. En effet, Alcina est ici une chanteuse de variétés à succès, qui se produit au Teatro Lirico de Milan (au lieu de la magicienne du livret). Elle attire ses fans comme l’ensorceleuse attire ses marins. Il pleut, il fait gris, la ville est sinistre, industrielle et polluée, Alcina offre rêve, paillettes et lumières. Elle signe des autographes, reçoit des fleurs mais seul Ruggero lui est cher à son coeur. Ce dernier a quitté le lit conjugal, tout comme le père du petit Oberto qui a quitté le foyer et son épouse pour retrouver la sublime Alcina. Quant à Morgana, elle appâte les spectateurs devant le théâtre, en faisant la promotion du spectacle, habillée en sirène et arrivant de façon spectaculaire par les airs, sur une chaise longue. Elle tombe immédiatement amoureuse de Bradamante déguisée en son frère Astolfo, déterminée à reprendre un Ruggiero totalement sous l’emprise d’Alcina. 

          Si le spectateur parvient à appréhender les intentions et les enjeux de cette mise en scène (une compréhension pas si évidente car tout va très vite, notamment pendant l’ouverture), cette transposition dans le monde du spectacle fonctionne plutôt bien (sauf à certains moments, notamment lorsqu’Alcina demande à Oberto de tuer un animal, ou lorsque Ruggiero demande à ce qu’on lui rende ses armes, etc.).  

           La force du spectacle réside principalement dans le fait de faire passer le spectateur de la lumière à l’ombre, de la magie du spectacle à « la réalité » des coulisses (et nous ramener dans des lieux "ordinaires" : bar du foyer, loges, atelier maquillage, toilettes). C’est le théâtre dans le théâtre (mise en miroir public / scène) qui nous fait passer d’une poupée gigogne à une autre (Alcina fait son show pour ses fans, tandis que Morgana fait un spectacle specialement pour Bradamante afin de "le" séduire, etc.). En effet, Alcina, adulée par son public, vit un drame : Ruggiero son fan adoré la quitte pour retourner avec sa femme. En parallèle, se joue le drame du petit Oberto qui recherche en coulisses (à la demande de sa maman) son père disparu.

          Le spectacle met également en exergue ce choix cornélien entre une vie libre de contraintes faite de divertissements et vie ordinaire, maritale et bien rangée (Ruggiero et Bradamente sont enfin réunis sous la même couette mais dos à dos, chacun souffre secrètement de son côté)

Plus fort encore, la mise en scène souligne la cruauté du temps qui passe, le pouvoir de séduction qui quitte Alcina, la fatalité de l’âge (Alcina se regarde dans le miroir et doute, son pouvoir de séduction est désormais compromis). Sa baguette magique est ici remplacée par un pinceau de blush devenu bien inefficace. Les fans ne se précipitent plus vers elle. Elle est fanée, passée de mode. Elle quitte le théâtre et l’immense affiche lumineuse qui redorait son nom est retirée sous ses yeux.

          Cette lecture intelligente mais pas toujours limpide de l’œuvre risque bien de dérouter bon nombre de spectateurs qui pourraient en avoir une lecture morcelée et partiellement incohérente car il n’est pas si facile de reconstituer le puzzle.

          Heureusement, le spectacle réserve aussi quelques touches d’humour et de légèreté, par exemple quand le petit Oberto qui se perd dans sa recherche et se laisse griser par les danseuses affriolantes ainsi que par l’alcool jusqu’au moment de croiser le regard réprobateur de sa mère tellement conventionnelle et rigide. 

          Côté distribution, le public est plutôt gâté. A commencer par l’Alcina racée de Jane Archibald. Elle chantait Ginevra dans Ariodante récemment à Valence, voir notre compte-rendu. Une voix caméléon, à la fois blanche et corsée, avec une fascinante aisance dans les suraigus qui nous donnerait envie d’en entendre davantage. On retiendra les violents coups d’archets comme des poignards dans l’air « Ah mio cor », qui laissent place à un plainte désespérée presque à capella, ou bien l’air « Ma quando tornerai » avec ses notes piquées, ou encore l’air « Di cor mio » avec son da capo qui porte l’amour au firmament. 

          Petit de taille et menu, le Ruggiero de Svetlina Stoyanova n’est pas très crédible physiquement et lorsqu’il se retrouve  face au viril contralto de Beth Taylor (notamment dans les récitatifs), sa voix paraît un brin trop légère. Pourtant ses airs vont s’avérer fort convaincants. En effet comment résister à la douceur de ses vocalises, au crémeux du legato de l’air « Mi lusingha » qui vous laisse tout chose. On reste bluffé par le naturel, la facilité et la vitesse d’exécution des vocalises dans l’air « Sta nell’Ircana » ou bien par ce clair-obscure dispensé sur l´ensemble d´une voix bien homogène. On retiendra également ses effets de ralentis et d’accélération dans l’air « Di te mi rido », qui font émerger des doutes. 

          La Bradamante de Beth Taylor impressionne par son timbre sombre et sa voix de contralto colorature, même si l’uniformité de cette dernière fait parfois défaut. L'interprète chante comme si sa vie était engagée : l'auditeur peut aisément ressentir son désespoir et sa souffrance extrême dans les airs « E gelosia » et « Vorrei vendicarmi ». BAROQUENEWS avait déjà pu l’apprécier à Nancy dans ce même rôle (voir notre compte-rendu). Signalons aussi sa magistrale prestation, cette saison, dans le rôle de Dardano à Francfort (Amadigi de Haendel). 

          Le ténor Stuart Jackson dans le rôle d’Oronte, en panne de style (ses vocalises allégées notamment manquent de naturel) parvient pourtant à trouver ressources et engagement avec une déconcertante aisance en faisant le show au point de remporter l'adhésion du public.

          Soraya Mafi, touchante Morgana notamment dans l'air « Credete Al mio dolor », séduit par les qualités d'un soprano facile, léger et velouté. 

          Le rôle d'Oberto prend une dimension plus importante dans ce spectacle, et la soprano Rowan Pierce, absolument crédible dans ce rôle d'adolescent, chante et joue admirablement bien, au point de s'encanailler au contact des danseuses super sexy. D´ailleurs, son personnage fait drôlement penser au rôle de Cherubino dans Le Nozze di Figaro.

          Enfin, quel plaisir de retrouver le baryton-basse Alastair Miles, spécialiste du compositeur, tout à fait efficace et convainquant dans le role de Melisso (ici un prêtre) avec son unique air « Pensa a chi geme ». On reste bluffé par la longévité d'une voix presque intacte depuis plus de 30 ans. 

          La réussite de ce spectacle relève donc aussi du choix d'une distribution quasi irréprochable sans oublier la direction inspirée et hautement dramatique du chef Jonathan Cohen à la tête d'un impeccable Orchestra of the Age of the Enlightenment. D'ailleurs Francesco Micheli a choisit une fin en apothéose festive avec un retour au rêve, à la féérie de l'opéra. C'est la fête, on oublie tout.