FESTIVAL DE RAVENNE 14-16.XI.2025

  L'éclat des apparences, la retenue des sentiments

          Le rideau s’ouvre sur un espace immaculé, baigné d’une lumière presque aveuglante qui, très vite, s'assombrira. Au centre, une ouverture rectangulaire figure un point d’eau où les protagonistes viendront tour à tour tremper leurs pieds, s’asperger ou simplement se recueillir — véritable source symbolique, tantôt d’inspiration, tantôt de consolation. De part et d’autre, des arches contemporaines habillées d’une texture miroir argentée, élégante et chic, encadrent l’action. Ce dispositif raffiné contraste fortement avec la vidéo projetée en fond de scène : une nature luxuriante et changeante, sillons forestiers, labyrinthes végétaux, arbres fantasmagoriques ou brumes surnaturelles.

          Sous la direction du mythique et inoxydable Pier Luigi Pizzi, qui conserve intact son art de l’épure, le spectacle s’ouvre sur une imagerie d’une élégance imparable. Mais la vidéo, omniprésente, finit par prendre le dessus : elle impose une nature mouvante — accueillante, menaçante ou hostile — sans jamais véritablement nourrir le drame. Le dispositif scénique, figé, ne bouge pas d’un millimètre, hormis ce tronc doré planté à gauche comme un écho au bassin central. À force d’immobilité, la beauté plastique tourne à la démonstration et laisse affleurer les limites dramaturgiques d’un cadre trop séduisant pour être réellement vivant.

          Le thème du festival — l'invisible, révélateur de l’amour — justifie l'omniprésence, quelque peu encombrante, d’un personnage évoquant Cupidon. Mais loin d’en être la figure mutine, l’acteur, à l’allure presque démoniaque, semble se contenter de manipuler les protagonistes sans apporter de véritable lecture. D’autant que Zoroastro, personnage traditionnellement porteur d’une autorité mystique, paraît ici dépourvu de fonction dramatique claire et aurait avantageusement pu endosser ce rôle.

          Les costumes, sans chercher l’audace, campent efficacement les figures haendeliennes : Orlando en guerrier cuirassé, Dorinda et Zoroastro drapés de toges pourpres, Angelica en robe immaculée, et Medoro — comme Amore — doté d’une longue traîne violette. Une cohérence visuelle qui contribue à la séduction générale du spectacle.

          Si la scénographie respecte la lettre du livret, elle peine à en saisir la dimension psychologique. Les chanteurs semblent livrés à eux-mêmes, contraints de suppléer par leur jeu individuel le manque de direction d’acteurs. On regrette alors l’absence de nuances, de lignes internes, de ce relief émotionnel qui fait la force d’Orlando. Malgré une superbe scène de folie — idéale pour mesurer le fossé avec certaines lectures récentes plus conceptuelles (voir notre article sur la production nancéenne) — le spectacle conserve une trajectoire trop linéaire pour émouvoir pleinement.  

          La distribution, en revanche, s’est révélée solide, dominée par un Filippo Mineccia ardent et fiévreux. Son Orlando, guerrier blessé basculant dans la démence, captive par son engagement physique et vocal : fioritures ciselées, variations inspirées, et une scène de folie « Vaghe pupille » d’une intensité rare.

          La révélation de la soirée demeure toutefois Francesca Pia Vitale. Soprano lumineuse, timbre clair et corsé, phrasé élégant, elle irradie la scène dès son entrée. On se souviendra longtemps de son accès de colère ravageur « No, non potrà ».

          En Medoro, Elmar Hauser offre un chant délicat et tendre, sans susciter toutefois l’enthousiasme que l’on aurait espéré. Une prestation honorable, mais dont la relative fragilité fait redouter son Ruggiero d’Alcina, attendu le lendemain. 

          Autre révélation de la soirée : Martina Licari, Dorinda fraîche et délicate. Une voix qui révèlera tout son potentiel, son éclat et son épanouissement dès lors qu'elle flirtera avec sa partie haute. 

          Quant à Christian Senn, il campe un Zoroastro solide, impeccablement tenu. Seul chanteur à l'affiche de cette trilogie haendélienne. 

          À la tête de l’Accademia Bizantina, Ottavio Dantone dirige avec précision et exigence, même si l’ensemble, étonnamment, semble parfois manquer d’élan et de puissance sonore — phénomène rare sous sa battue habituellement galvanisante.

          Un Orlando esthétiquement soigné et vocalement généreux, mais dont la mise en scène, trop sage et psychologiquement peu creusée, laisse entrevoir plus de promesses visuelles que d’émotions véritables.

                                                        Ruggero Meli

Une lecture ciselée qui aurait mérité de s'embraser

          Le maestro Ottavio Dantone adopte des tempi mesurés, laissant à la musique le temps de respirer, sans jamais céder à la précipitation. Cette élégance naturelle s’appuie sur une précision millimétrée et une direction qui, malgré sa retenue, sait insuffler à l’orchestre une vigueur incisive. On tient là un Messie de très belle tenue, même si l’on aurait souhaité, çà et là, une ardeur plus franchement théâtrale. 

          Le Chœur de Sienne — extrêmement bien préparé par le maître de chœur Lorenzo Donati — se taille la part du lion : homogénéité exemplaire, projection généreuse mais toujours tenue, et un Alleluia vibrant, sculpté avec panache. Le pupitre des sopranos, particulièrement lumineux, se distingue par sa cohésion et son éclat franc.

          La partition est donnée sans coupe, mais réserve en son cœur une surprise bienvenue, avec l’insertion de numéros alternatifs rarement entendus. On sait combien Haendel retoucha l’œuvre au fil des reprises — la discographie, à commencer par l’enregistrement de Nicholas McGegan, en témoigne éloquemment. Ici, l’apparition d’un duo exquis en lieu et place de l’air “Thou art gone up on high”, confié à la contralto ansi qu'une soprano issue du chœur, suivi de pages chorales d’une grande suavité, apporte une respiration inattendue et fort plaisante.

          La distribution réunit des artistes de bon niveau, dominée par une belle découverte : Alyssia Hanshaw, soprano au timbre brillant et fruité, dotée d’un anglais cristallin — nationalité britannique oblige. Son “Rejoice greatly” pétille avec mesure, sans jamais sombrer dans l’esbroufe, et son “If God be for us”, tendre et profondément musical, constitue l’un des sommets de la soirée. Seul regret : des da capo trop sages, avares en fioritures comme en prises de risque.

          Delphine Galou impose sa signature — un mélange de fougue maîtrisée et de douleur intériorisée — dans un “But who may abide” nerveux et un “He was despised” touchant, d’une belle ligne expressive.

          Comme dans Alcina la veille, Žiga Čopi séduit par le grain de sa voix mais tend à trop alléger son émission, au point d’en perdre parfois la fermeté attendue. On l’aurait souhaité plus incisif, notamment dans l’arioso “Thou shalt break them”, qui réclame davantage de mordant.

          Enfin, Christian Senn remplit son contrat avec sérieux : voix solide, émission robuste, sens musical sûr. Son “The trumpet shall sound” s’impose par sa franchise et sa tenue.

          L’enthousiasme du public ne s’y est pas trompé : il a obtenu une reprise festive de l’Alleluia, réunissant l’ensemble des solistes pour un final aussi rassembleur que chaleureux.

                                      Ruggero Meli